影像从点击生成的圆形出发，演化为泡泡扩张与互相碰撞，最终回归原点，呈现信息循环与个体困境。声音部分结合白噪、流水与泡泡声，配合节奏变化加强沉浸感，展现数字环境中节奏化、算法化的体验现实。

项目采用Runway、即梦等AI工具生成图像与动态，尝试在视觉与听觉中再现“数据泡泡化”的存在体验，并提出反思：当身份、情绪与关系都被转译为数据碎片，我们还能如何真实交流？

项目灵感源自当代美术馆中的行为观察与媒介理论，借用故障艺术的视觉语言与“病态感”的设计逻辑，刻意打破常规的视觉秩序，引导观者关注“观看时间”“观看深度”与“观看动机”的关联。通过电流音、弹窗扰动等设计强化体验的不适感，以干扰唤起沉浸，从而重新建立观者与艺术品之间更深层的感知通道。该装置试图在交互设计中重新唤回艺术作品被“真正凝视”的可能性。

游戏通过将“AI是否能理解人类的梦”与“人类是否成为AI训练素材”的设问交织，探讨在生成式AI时代中，自我、记忆与现实之间的边界模糊。互动机制上，玩家通过输入个人文本触发NPC的回应，AI根据大数据语料生成具情绪色彩的回复，引导剧情向“觉醒”或“迷失”两种走向发展。游戏强调记忆的虚构性与主体性的交叉，使玩家在“梦境似的互动”中重新反思记忆的真实性与自我感的重构路径。

装置模拟“镜子”机制，将互动者的自我认知与外界反馈进行可视化映射。每位参与者看到的影像实时变化，既反映了外部评价的投射，也隐喻了身份与认知的动态建构。装置通过“刻意标注”和“时间变形”技术，强化参与者对自我可塑性的感知，揭示“他人眼中的我”如何成为塑造“我”的重要力量。作品在互动与生成之间提供了一种诗意的心理回响，使观者在技术回路中反观自身，重构主体认知。

本项目以中国古代神话中的扶桑树为主题，通过数字交互技术在 Touchdesigner 中实现了沉浸式的文化体验。项目结合《淮南子》“拂于扶桑”的描述，构建一个虚拟的扶桑树模型，观众靠近时，树枝会轻轻摇曳，仿佛在迎接晨光。同时，利用声音交互，当观众发声或动作时，触发鸟鸣、风声等自然音效，营造出神话中扶桑树所在的神秘氛围。

在文化象征层面，参考《十洲记》中扶桑树位于碧海之中的意境，设计一个沉浸式空间，观众进入后仿佛置身于碧海环绕的扶桑仙境。通过触摸扶桑树的不同部位，可以解锁屈原《离骚》中“饮余马于咸池兮，总余辔乎扶桑”等诗句的朗诵，让观众在交互中感受扶桑树作为光明、希望象征的文化内涵，实现传统文化与现代数字技术的融合。

游戏的核心是关于选择——选择服从，还是选择逃离？许多人在现实生活中习惯了循规蹈矩，即使内心渴望突破，最终仍旧回归原来的轨道。而在游戏里，我们给予玩家一次机会，让他们去做那些盘旋在脑海中，却不敢付诸实践的事，将那些狂野的想法变为现实。当然……也可以选择维持现状，这是你的选择。

《The Great Escape》不仅是一款游戏，也是一种对现实的投射和对自由的思考。它试图捕捉那种被生活困住的无力感，同时也给予玩家改变的可能。正如摇滚乐队们曾用音乐表达对现实的不满，我们用这款游戏，邀请玩家踏上属于自己的“伟大逃亡”。

游戏中使用了大量8 - bit风格的摇滚配乐，以及组员林淳的原创作品，模拟早期电子合成器的音色，营造复古氛围。结局的命名大多来自同名歌曲，例如A forest（The Cure）、Parklife（Blur）、Where Is My Mind（Pixies）等，以致敬这些影响深远的音乐作品。

游戏模拟“现实世界”机制，将玩家的内心渴望与现实束缚进行可视化映射。每位玩家看到的游戏剧情与角色发展实时变化，既反映了内心深处的冲动与恐惧，也隐喻了自我与现实的动态博弈。游戏通过“多线剧情”和“结局分支”技术，强化玩家对选择的感知，揭示“内心深处的我”如何成为塑造“现实中的我”的重要力量。作品在选择与结果之间提供了一种深刻的思考回响，使玩家在虚拟世界中反观自身，重构对自由与现实的认知。

简介：

《溯光遗韵》是一个融合数字技术和文化遗产保护的互动体验作品，旨在通过虚拟修复手段让破损的文物重新焕发光彩，并提升公众对文物保护的关注。通过数字化技术，项目不仅展示了文物的虚拟修复效果，还设计了包括虚拟考古和文物拼图等互动体验，帮助人们在互动中感受和了解文物的历史与价值。

该项目的核心理念是利用现代数字技术手段赋予文物新的生命，通过数字化手段使文物得以重生，让文化遗产在现代社会中得到更广泛的传播和理解。通过虚拟修复，文物的破损部分被精确修复，观众能够通过互动方式感受文物修复的过程，进而增加对文化遗产保护的认同与关注。

项目的实现过程中，小组使用了C4D进行三维建模，并利用Meshlab处理点云效果，结合TouchDesigner（TD）进行交互设计与效果制作。通过这些技术手段，文物的数字复原效果得以呈现，观众能够在虚拟环境中进行互动，仿佛与文物亲密接触。

《溯光遗韵》不仅是对传统文物的一次数字再现，也是对文化遗产保护的一次深刻反思。通过现代科技的帮助，古老的文化不仅得以保存，还能通过互动的方式与公众产生更深层的连接，从而增强了对文化遗产保护的意识与责任感。

简介：

《数字时代的身份迷失》是一个互动视听装置项目，旨在探讨当代数字社会中个人身份的模糊与流动性。在技术主导的时代，数字身份逐渐取代了传统的个人认同，人们的社会标签和行为模式被算法定义和塑造，真实自我和虚拟自我之间的界限变得越来越模糊。通过这一作品，观众将亲身体验到身份的重构和迷失，深入思考个体与社会、虚拟与现实的关系。

该作品的灵感来源于哲学家庄子“梦蝶”之思，借用数字技术和艺术手法，展现个体在数字空间中的变形与超越。通过面部影像捕捉和混合拼贴技术，参与者的五官被解构并与随机面部特征融合，生成新的“混合面孔”，象征数字时代身份的无定形与流动性。此外，作品还采用粒子效果将面部特征分解成流动的粒子，并与虚拟蝴蝶群结合，呈现个体身份的虚幻与不确定性。

在最终效果中，参与者既是观察者也是被观察者，无法区分自我与社会的界限，映射出身份在数字化社会中的迷失与不确定性。通过这种互动体验，作品不仅揭示了数字时代身份构建的困境，也促使人们反思在虚拟世界中，个体与社会的关系以及“我是谁”的深刻命题。

《Vital Sign Interlink》是一个探讨数字生态与生物网络关系的艺术项目，旨在通过菌丝体这一自然界的分布式智能网络，为人类社会中的信息传递、情感联系和生态协作提供启发。菌丝体作为生物界的信息网络，不仅在自然界中高效地传递资源，也为构建更高效、互联和可持续的社会提供了独特的隐喻。

项目借鉴了德勒兹的“块茎理论”，强调非中心化、层级化的网络结构，反映了去中心化、非线性连接的哲学思想。同时，借用《阿凡达》中潘多拉星球的生态神经网络，探索人类与自然、人与人之间的共生关系。

该作品通过多种媒体形式展现菌丝网络的视觉效果，包括利用L-system模拟菌丝分形生长、基于手势捕捉的互动设计、以及利用TouchDesigner制作的粒子效果。观众的互动手势不仅能促使菌丝生长，还能影响菌丝的形态与颜色，从而在虚拟环境中创建一个充满生机的生态系统。

《Vital Sign Interlink》的最终展示融合了虚拟地下森林与幽蓝光晕的菌丝网络，体现了人与人、人与自然之间通过信息与情感相互联结的可能性。通过交互体验，作品不仅展示了数字环境中的虚拟生态，还反思了现代社会中人与人之间复杂的联系和信息流动模式。

在日常生活，我们观察到，儿童对医院的抗拒并不会/没有随着社会的发展而消失，这种恐惧仿佛深深的扎根在孩童们的记忆深处，令他们无所适从。然而大多数人在成长过程中会把这种恐惧抛在脑后，并逐渐习以为常，反而无法去共情他们的感受。因此，我们决定以此为起点，将这种抽象的，难以被理解的儿童医疗恐惧具象化，通过作品构建出孩童视角的沉浸式场景，让观者能够身临其境的与儿童的恐惧情绪产生共鸣，进而引发人们对这一问题的关注与思考。

在主场景中我们采用了儿童画的风格。儿童纯净的内心世界与隐隐浮现出的医疗器械交织融合，彰显着恐惧从未消失，希望借此更好的体现出孩童内心世界对医疗产生的负面情绪。隐藏在其中的，如白大褂映射出的的白房子，针管形状的树枝，探照灯拟合的太阳等，无一不体现出医疗恐惧对孩童的影响之深。

蓝色海洋代表海洋原生纯洁，其中海浪的高低起伏代表自然的活力以及力量感。刚开始海水平静，人们进入以后海水开始变得汹涌。海水在受到外部污染后开始变化多端，用颜色变化来代表海洋受到的污染。起初海洋受到了污染，人们意识到海洋污染问题，可以通过自身的力量保护海洋，而海洋清扫师的角色开始出现。为了让海洋重新变回纯净的蓝色，直观展示清扫成效，呼吁关注海洋问题。整体上为蓝色海洋时海浪的流动效果，手势交互中以手所在的高度决定海浪的高低和粒子分散。模拟清扫海水中的白色污染，通过手势（挥动）来清扫屏幕中的勒色，使观众代入海洋清扫师的角色，以直观互动警醒人们重视海洋污染，激发环保活动。

信息过载就像在汪洋大海中游泳，一不小心就会被海量信息淹没。我们每天面对着无数的消息推送、社交媒体动态和新闻报道，大脑被迫不断筛选和处理这些信息，长此以往，难免会感到疲惫和焦虑。我们组要探讨的主题是将信息过载可视化。信息过载互动体验装置这是一个结合文字与物理模拟的互动装置，旨在让观众直观感受信息过载的冲击。观众在进入装置屏幕中将会被来自网络上各种良莠不齐的信息以文字形式填充。视觉上形成一种压迫感，象征着信息过载对人们的心理压力。屏幕边缘会随机出现一些被信息过载影响的案例介绍或受害者的感受，增强观众的代入感和反思。

皮影戏的背景既是舞台艺术的载体，也是文化传承的纽带。通过光影与雕刻的结合，皮影戏将历史、民俗与艺术融为一体，展现了中国传统文化的独特魅力。有了光才使黑暗的幕布炫丽多彩，而星空也正因为有光，才使黑暗能炫丽多彩，所以我们把皮影戏以星空的方式呈现，同时将不同地域文化代表的皮影戏纹样与星空结合，生成不一样的星空。最后我们为这个作品添加手势交互的环节，可以让更多人也可以“入手皮影”，“操控皮影”。

本作品《一平方英寸的寂静（One Square lnchof Silence）》是一个以自然环境影像为背景，结合分贝监测技术的互动影像装置。作品旨在通过实时互动的方式，直观地展现人类活动产生的噪音污染对动物生存环境的影响，引发观众对生态保护的思考。

方案：作品将通过投影仪和幕布（或显示器），场景中包含树林、草地、流水、麋鹿。观众可以通过麦克风与环境进行互动。当环境音量超过设定阈值时，虚拟场景中的麋鹿会表现出受惊逃跑的状态，直观地反映出人类活动对动物造成的干扰。

使用技术：Python声音数据分析＋Procreate原画绘制＋Unity场景搭建实现天气系统＋Blender动物模型制作

我们小组通过讨论希望围绕“亲密关系的边界”这个主题来展开我们的数字与体验创作。在主题调研中，我们通过叔本华的刺猬比喻，探讨亲密关系中适度距离的重要性，以两个棋子的互动象征靠近与远离时的边界变化，强调保持适度距离既能满足彼此的温暖需求，又能避免伤害。每个人都有属于自己的边界领域，而社交边界通过双方互动动态形成，如同棋子距离的实时变化。人们在探索合适社交距离的过程中，不断地伤害彼此，温暖彼此，来找到合适的交往距离。我们以红色棋子代表个体，蓝色棋子代表他人。观展者通过移动这两个棋子，我们运用雷达来检测棋子的位置，屏幕上的td会展示不同的画面效果，移动棋子时会出现拖尾圆润一些的粒子效果，当两个棋子靠的过于近时，粒子将逐渐尖锐化，同时触发红色警示线。

我们希望作品能引发人们对亲密关系边界的思考，无论是亲情，爱情或是其他关系，都需要够尊重个体独立性，避免过度依赖，维护人与人之间的情感关系。

简介：曼陀罗（Mandala）源自梵语"圆轮"，是佛教与印度教中象征宇宙和谐、生命圆满的精神图腾。其圆形结构从中心向外延展的秩序感，本质上是人类通过图案构建内心秩序的具象化表达。荣格心理学研究发现，曼陀罗绘制时从无序到有序的动态过程，能有效整合心理矛盾，重建情绪平衡，这种特性使其成为重要的艺术治疗手段。

自然疗愈则强调通过阳光、空气、植物等元素激活人体自愈力，在改善生理机能的同时促进心理平衡。当数字技术将两种疗法创新性融合时，产生了独特的沉浸式疗愈场域：用户通过手势控制屏幕中曼陀罗的生长轨迹，神经网络状枝蔓与绽放花朵形成"掌中宇宙"的意象。传统曼陀罗纹样环绕的动态界面，配合水滴声、梵铃与陶笛构成的白噪音系统，构建出连接自然韵律与精神图景的多维空间。

这种数字疗愈模式实现了三重整合：手势交互将身体运动纳入冥想过程，植物生长隐喻心理秩序重建，神经脉络图案则可视化精神活动。用户通过参与曼陀罗的数字化"生长"，既完成荣格所说的"心理紊乱到有序"的转化，又体验自然元素对身心的浸润，最终达成天人合一的疗愈境界。这种跨媒介实践不仅延续了古老智慧，更为现代人提供了应对焦虑、重建内心秩序的创新路径。

数字与体验在线展出-《流变共生》作品简介

内容描述：

【装置作品核心概念总结】

1. 新旧艺术语言的对话

实体流沙画象征传统艺术语言（旧经验/旧的生活方式），电子流沙画象征数字时代新语言（新技术/新的生存环境）

通过物理与数字媒介的叠加，构建新旧经验的共生场域

2. 时代发展悖论探讨

技术进步带来繁荣与异化的双重性

人类面临变革困境：

社会发展的必然性 vs 旧经验的稳定性

创新渴望 vs 未来不确定性

隐喻"繁荣-荒郊"的文明演进循环

3. 交互设计

双重操控系统：

实体操作：象征改变传统

屏幕互动：象征吸收新技术

流动的沙粒成为不确定性的物质化表达

4. 精神容器建构

画框作为意识载体：承载个体记忆与时代经验的接口

虚实重叠产生认知张力：数字真实与物质真实的辩证关系

通过该装置中的物质与数字、缓慢与剧烈的对抗，探讨人类文明演进的困境。